COMENTARIO DE OTRA OBRA MODERNISTA

Título: Gismonda.
Autor: Alphonse Mucha.
Nacionalidad: Checa.
Año: 1894.
Movimiento: Modernismo.

B/N o color:
Color.
Formato:
No encontrado.
Función:
publicitaria.
Hechos biográficos relevantes:
Primer cartel de mucha en París debido a una urgencia y que a todos los artistas de la empresa en la que trabajaba como litógrafo estaban de vacaciones. Creó tal revolución que la gente de París se llevaba sus carteles arrancándolos cuidadosamente con navajas. Con dicho póster obtuvo un contrato de 5 años para realizar el vestuario, los carteles y los decorados con Sarah Bernhardt.
Su revolución fue tal que se convirtió en la imagen del modernismo.

Forma de la imagen:
La composición de la imagen es centrada y triangular debido a los títulos que cubren de izquierda a derecha la iamgen y entre los que se asienta la figura. Ésta tiene una composición triangular debido a la forma que describe junto con la palma y y su cuerpo sostenidas en medio por sus pies en el centro de dicha franja de la imagen.
El color:
Predominan los colores pastel. Las tonalidades son amarillas principalmente y en segundo lugar se observan las azules. El tratamiento del color es plano y los contornos están perfilados con línea negra.
La luz:
La luz está poco tratada y es muy ambiental por tanto ya que el color es generalmente plano. Apenas hay sombras fuertemente marcadas y por tanto crean tan solo cierto volumen a las formas.
Tipografía:
La tipografía está creada por el mismo y corresponde con un estilo bastante decorado a juego con las líneas de látigo.

Perspectiva:
Carece de una profundidad marcada. Se basa en la figura sobre fondo blanco.
Ritmo:
El recorrido visual tiene crea cierto ritmo al ir en zig zag. La repetición de motivos y ornamentaciones vegetales en su mayoría crea también ritmo.
Distribución de pesos:
Se puede dividir en tres estamentos. El título de arriba, la figura y el rótulo de abajo. Los dos primeros están equilibrados en el centro. La figura crea cierta ambigüedad entre dos formas de repartir el peso. Podría ser que sobrecarga la parte derecha ya que desplaza mucho más peso hacia ese lado y la cara siendo un punto de atención obligada también da mucha importancia a ese lado. Por otro lado puede que se equilibre esta pose por la palma que sostiene.
Recorrido visual:
Comienza en la esquina superior izquierda. Siguiendo el sentido de la lectura va por el rótulo de Gismonda siguiendo en el de Bernhardt y la palma para llegar hasta la cara. Después baja a la cara y por el vestido hasta el rótulo que encontramos bajo ella.

bibliografía:
http://www.muchafoundation.org

Descripción objetiva:

La obra Gismonda del autor Alphonse Mucha de nacionalidad checa fue realizada en París debido a una urgencia y que a todos los artistas de la empresa en la que trabajaba como litógrafo estaban de vacaciones. Creó tal revolución que la gente de París se llevaba sus carteles arrancándolos cuidadosamente con navajas. Con dicho póster obtuvo un contrato de 5 años para realizar el vestuario, los carteles y los decorados con Sarah Bernhardt. Su revolución fue tal que se convirtió en la imagen del modernismo.

La composición de la imagen es centrada y triangular debido a los títulos que cubren de izquierda a derecha la iamgen y entre los que se asienta la figura. Ésta tiene una composición triangular debido a la forma que describe junto con la palma y y su cuerpo sostenidas en medio por sus pies en el centro de dicha franja de la imagen.
Predominan los colores pastel. Las tonalidades son amarillas principalmente y en segundo lugar se observan las azules. El tratamiento del color es plano y los contornos están perfilados con línea negra. La luz está poco tratada y es muy ambiental por tanto ya que el color es generalemnte plano. Apenas hay sombras fuertmente marcadas y por tanto crean tan solo cierto volumen a las formas. La tipografía está creada por el mismo y corresponde con un estilo bastante decorado a juego con las líneas de látigo.

Carece de una profundidad marcada. Se basa en la figura sobre fondo blanco. Por tanto carece de elementos que denoten líneas de perspectiva. Como mucho será una perspectiva frontal. El recorrido visual tiene crea cierto ritmo al ir en zig zag. La repetición de motivos y ornamentaciones vegetales en su mayoría crea también ritmo. Se puede dividir en tres estamentos. El título de arriba, la figura y el rótulo de abajo. Los dos primeros están equilibrados en el centro de la imagen. La figura crea cierta ambigüedad entre dos formas de repartir el peso. Podría ser que sobrecarga la parte derecha ya que desplaza mucho más peso hacia ese lado y la cara siendo un punto de atención obligada también da mucha importancia a ese lado. Por otro lado puede que se equilibre esta pose por la palma que sostiene. Comienza en la esquina superior izquierda. Siguiendo el sentido de la lectura va por el rótulo de Gismonda siguiendo en el de Bernhardt y la palma para llegar hasta la cara. Después baja a la cara y por el vestido hasta el rótulo que encontramos bajo ella.

Descripción subjetiva:

La obra Gismonda de Mucha es marcadamente modernista. La mayoría de elementos son de marcada índole de la época como hemos podido ver, líneas de látigo y estilización general, estilización de la mujer igualmente, contornos de línea, colores con tratamiento plano. Etc. es una época en la que se hace mucha litografía y por ello se dirige todo más hacia la publicidad. Los colores pastel son un poco más brillantes y llaman la atención. El fondo blanco y sobre éste la figura hace que no se pierda la atención hacia otras cosas. La línea de contorno define mejor la figura. En esto se puede ver la influencia de la pintura japonesa que tomó mucha importancia en la época. Este arte nuevo era muy rompedor con lo anterior. Estaba muy inspirado en William Morris que pregonaba que los objetos deben buscar un valor estético y que sean alcanzables por toda la población. Se puede ver que aunque equilibrada, la obra recae en cierta asimetría si se considera que el peso recae sobre la chica y no sobre a palma. La asimetría es una constante en el modernismo y que en este caso contrasta con el fondo de inspiración histórica que ahonda un marcado contraste. Se puede ver sugerido el nuevo arte frente a los anteriores.

En la parte modernista Mucha luce varios motivos florales y vegetales en el acercamiento a la naturaleza que hubo en ese tiempo. El nuevo arte estaba inspirado en la naturaleza rompiendo con los estilos anteriores. Estos motivos suelen estar incorporados de alguna forma con el motivo central debido a la importancia de la naturaleza. Se aprovecha normalmente las ondulaciones naturales y se exageran buscando las líneas de látigo. Ésta influencia se puede observar incluso en la tipografía. Todo va llevando hacia un ambiente exótico, fantasioso e idealizado.

Como se puede ver se busca la estética y recreación visual en general. Es un estilo que refleja la época en la que se encuentra. La era industrial donde la producción y los logros económicos y científicos avanzaban cada vez más y el hombre comenzaba a dominar la naturaleza. En el campo de la publicidad los avances de la litografía y la cromolitografía hicieron del cartel un medio barato y en el que se pudo investigar y ofrecer nuevas soluciones y experimentos. Mucha expuso esta solución exquisita, estética y muy efectiva para la exposición en la calle. Las formas modernistas que comenzaban a despuntar en la época junto con la inspiración japonesa y la estética de mucha le hicieron un icono del modernismo.

fotomontaje john heartfield

Fotomontaje. John Heartfield es famoso por sus carteles contra el nazismo. Colaboró también con el comunismo mediante sátiras y propaganda. al final fue exiliado primero a Checoslovaquia y después a Inglaterra.

cartel de la guerra civil española

Título: no encontrado
Autor: Renau.
Nacionalidad: Española, Valencia.
Año: 1936- 1939.
Movimiento: Guerra civil española.

B/N/ Color: Color.
Formato: No encontrado.
Función: Publicitaria, propagandística.

Color: los colores más importantes son de tonos rojizos que destacan sobre el fondo blanco. También destaca el color frío azulado del casco en el centro de la imagen. Los colores están tratados con degradados aunque en parte sugieren y tienen zonas de masa de color plano.
Luz: la luz proviene más o menos de un mismo foco situado en la parte de arriba. En la bandera podría ser una luz más directa aunque igualmente da cierto aspecto de estar colocada en un punto superior.
Tipografía: la tipografía es de grandes serifas parecida a las egipcias o mecanas. Tiene un contraste entre algunas astas bastante acusado, por ejemplo la A, la O o la M y en la mayoría de las astas horizontales. Utiliza recursos aparte como el color o la letra gruesa.
Proporción: las proporciones aunque seguramente no sean reales no se ve grandes diferencias y está proporcionado entre sí para mejor visualización y proporción del cartel.

Perspectiva: la perspectiva de los 4 rostros es un tanto inferior a la de la línea de los ojos. Por otro lado la vista del fusil es exactamente de perfil. La de la bandera sería difícil de definir al ser un objeto muy maleable y sin una forma muy especifica al ondear como ocurre en la obra.
Ritmo: hay un ritmo muy marcado que es el creado en los rostros y posteriormente en el texto. En este último se produce un embate mayor al estar en negrita.
Distribución de pesos: la zona de mayor peso es la de los rostros seguido del texto y por último la del fusil y la bandera.


Objetivo
El cartel se compone de 4 rostros en una diagonal descendente que miran hacia arriba a la izquierda desde el lado derecho-central de la imagen. En una diagonal más o menos perpendicular a la primera esta un texto aunque dispuesto de la misma forma que los rostros. Por último en la zona derecha hay un fusil con una bandera comunista, la cual abarca la mitad superior de toda la imagen. El cartel pertenece a Renau y es propaganda e información del partido comunista. Los colores que utiliza son de tonos rojizos que destacan sobre el fondo blanco. También destaca el color frío azulado del casco en el centro de la imagen. Los colores están tratados con degradados aunque en parte sugieren y tienen zonas de masa de color plano.
La luz es amarillenta o anaranjada en los rostros y proviene más o menos de un mismo foco situado en la parte de arriba. En la bandera podría ser una luz más directa aunque igualmente da cierto aspecto de estar colocada en un punto superior.
La tipografía es de grandes serifas parecida a las egipcias o mecanas. Tiene un contraste entre algunas astas bastante acusado, por ejemplo la A, la O o la M y en la mayoría de las astas horizontales. Utiliza recursos aparte como el color o la letra gruesa.
Las proporciones aunque seguramente no sean reales no se ven grandes diferencias y está proporcionado entre sí para mejor visualización y proporción del cartel.
La perspectiva de los 4 rostros es un tanto inferior a la de la línea de los ojos. Por otro lado la vista del fusil es exactamente de perfil. La de la bandera sería difícil de definir al ser un objeto muy maleable y sin una forma muy especifica al ondear, como ocurre en la obra.
Hay un ritmo muy marcado que es el creado en los rostros y posteriormente en el texto. En este último se produce un embate mayor al estar en negrita.
La zona de mayor peso es la de los rostros seguido del texto y por último la del fusil y la bandera.

Subjetivo
En lo primero que nos fijamos es en los rostros que están enaltecidos y dorados por una luz también se podría decir que dorada, en lo que podríamos entender como el sol. Por ello también los rostros podrían estar ciertamente morenos. Este argumento refuerza los valores del proletariado y del trabajo y esfuerzo. Del mismo modo elevan el rostro en una expresión un tanto orgullosa o con la frente bien alta sin tener que bajar la mirada. Las connotaciones que tiene esa mirada son mejores que una mirada baja. De la misma forma la mirada se dirige hacia la bandera comunista y ésta está sostenida en un fusil. Metafóricamente Renau está sosteniendo el comunismo con el ejército o al menos se ha de luchar por el. Muy apropiado en una época de guerra y no tanto en una época de paz. La tipografía tiene la misma disposición que los rostros aunque las diagonales son perpendiculares. El tratamiento de rojos en la letras cerca de “partido comunista” puede haber sido residuo de poner las letras de partido comunista en negro. Así se refuerzan los valores comunistas representados por el rojo y l negro y hacen que se vea más las palabras en negro. Además la tipografía de este estilo está dirigida a que se reconozca mejor de lejos. El recorrido visual es circular lo cual nos deja una muestra de la maestría compositiva del autor. Incluso el elemento de la bandera situado en la parte superior hace que los volúmenes pesados queden equilibrados con los ligeros como la bandera estando sobre ellos.
El cartel es muy directo reforzando y mostrando los valores comunistas aunque la situación de guerra, de urgencia y de angustia no queda muy reflejada por tanto técnicamente el cartel tiene muchos puntos que expresan mucho pero el fondo o el sentimiento ha quedado algo apagado.

composición aurea

composición aurea. pos eso.

Análisis cartel constructivista

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imagen obtenida de: http://dl.lib.brown.edu/Views_and_Reviews/img/thumbnails_550px/view000017_KLUT-P-1605_550px.jpg

Análisis cartel constructivista

Análisis objetivo

Título: aprox.: bajo la bandera de Lenin para el socialismo.

Autor: Klucis.

Nacionalidad: Ruso-Letón (antiguo imperio ruso).

Año: 1930.

Movimiento: constructivismo ruso.

B/N o color: Color.

Formato: no encontrado.

Función: propagandística.

Color: el color de la imagen es principalmente el rojo y el negro y quedando un blanco o un ocre del papel.

La luz: los focos de luz corresponden a cada fotografía. Lenin recibe un haz de luz desde la derecha. La luz de Stalin es más zenital o le viene de arriba. Y las fábricas etc. tienen una luz más difusa.

Tipografía: aunque es en alfabeto cirílico es una tipografía de caja alta y de palo seco.

Proporción: la proporción no se cumple, debido al fotomontaje.

Perspectiva: al ser un fotomontaje la obra carece de una verdadera profundidad.

Se conserva en alguna muestra de foto pero en general no se cumplen la leyes de la perspectiva.

Ritmo: se crea cierto ritmo en las estructuras de la maquinaria en la parte inferior de la imagen que acentúan un poco la perspectiva de esa imagen.

Distribución de pesos: todo se puede considerar una unidad respecto a pesos ya que todo está unido o pegado. Sin embargo se puede diferenciar un mayor peso en la parte derecha de la imagen. todos los elementos apuntan en esa dirección lo cual le da mucha más importancia. Al estar el lado izquierdo más inclinado hacia abajo da sensación de tener más peso pero por elementos tampoco es el que más peso conlleva. De hecho es la zona con más aire. La composición estaría prácticamente equilibrada si no estuviera inclinada. Según los pesos de color tiene más peso el lado izquierdo. Por ello aunque inclinada la composición guarda cierto equilibrio.

Recorrido visual: se puede apreciar un recorrido en espiral que comenzaría por uno de los elementos mayores y más reconocibles y que más nos diferencia que es en la cara de Lenin. Después de esto el color rojo atrae la mirada hacia arriba pasando por Stalin y nos dejamos llevar a las letras rusas sobre su cabeza y luego a las letras rojas en la otra división a su derecha, bajando en el sentido de la lectura en paralelo a la cara de Stalin. Después otra pequeña división nos dirige a las siguientes letras que al estar en rojo también atraen más rápidamente. Por último la antena o torre metálica nos llevan de nuevo a la cara de Lenin.

Análisis objetivo:
El título de éste cartel es, aunque con no total seguridad “Bajo la bandera de Lenin para el socialismo” y el autor de la obra es el señor Klucis del actual país de Letonia en la época parte del imperio ruso. El trabajo se realizó en el año 1930 y pertenece al movimiento del constructivismo ruso productivista. La función del cartel es la de propaganda.

El cartel es realizado a partir de fotografías en blanco y negro pero utiliza otro color más que es el rojo, colores apreciados por el movimiento comunista soviético. El color blanco queda de un color ocre por el soporte en el que está que puede ser de tal color o una señal del paso del tiempo. Hay diversos puntos de luz por el hecho de ser un conglomerado de fotografías montadas. Cada una tiene una luz propia del momento. La que ilumina los rostros es una luz más dura y de direcciones apreciables mientras que lo que corresponde a la infraestructura es una luz más general y difuminada. También este hecho está influido por la falta de detalles que si podemos apreciar claramente en los rostros mientras que en un plano general se pierden. La tipografía corresponde a un alfabeto cirílico de caja alta y palo seco. Respecto a los elementos del cartel y su proporción se puede observar que no se cumple y que su tamaño depende de su importancia dentro del cartel. Carece igualmente por tanto de perspectiva conjunta y cada foto tiene una propia. Los elementos están puestos siguiendo diversas diagonales compositivas. La maquinaria es uno de los elementos que crea más ritmo. Después hay otros como la sucesión de los dos rostros que crea otro pequeño ritmo. Se puede considerar todos los elementos como una unidad ya que no existen grandes separaciones y los elementos conviven unos solapados con otros. Sin embargo se puede estimar que el mayor peso recae sobre la parte derecha de la imagen. todos los elementos apuntan a dicha dirección. El lado izquierdo es el que apunta hacia abajo pero por volumen de elementos se corresponde con el derecho. Los elementos están equilibrados ya que atendiendo al color se realza un poco el izquierdo que es el lado más caído. Por tanto es una composición equilibrada pero con dinamismo y movimiento. El recorrido visual tiene una trayectoria espiral que comienza en uno de los elementos de la imagen mayores, el rostro de Lenin, desde el cual el color rojo atrae nuestra mirada pasando también por la Stalin después hacia las letras rojas del otro lado en paralelo a la cara de Stalin. Otra pequeña división nos dirige a las siguientes letras rojas y con ese color atraen la mirada. Por último la antena o torre metálica nos devuelve en otra diagonal al punto de partida, Lenin.


Análisis Subjetivo:

En este cartel vemos a Lenin como el centro de una espiral o círculo de información e industrialización. El aparece como el protagonista mayor de esta imagen. Los colores utilizados son típicamente soviéticos. Se utilizan guías y barras para dirigir la mirada sobre la información del cartel propagandístico de estilo constructivista.

Klucis muestra aquí un cartel constructivista de corte más productivista. En esta rama se trata de llegar más al pueblo y no para una élite o un grupo cerrado. Los colores que utiliza son los típicamente soviéticos. Ensalza a la figura de Lenin como protagonista y lo rodea de maquinaria, una base bastante utilizada por los constructivistas productivistas sobre todo en el que necesitaban crear arte utilitario y productivo, para mayorías y masas. Por ello da muestras cercanas a la vida cotidiana de la gente. Está muy acorde con la gran industrialización de la época como ejemplo de esta cercanía. Frente a los realistas los productivistas fueron favorecidos por el régimen (al principio luego muchos fueron desautorizados de distintas formas) ya que eran más acordes sus filosofías revolucionarias, como por ejemplo la de crear un noción de la industralización bella y estética. Lenin fue uno de los primeros líderes políticos que optó por una gran máquina de propaganda. Su predilección por las máquinas y su necesidad de llegar a las masa alimentan la figura del socialismo soviético muy útil para el partido.

Se puede ver una influencia muy grande del suprematismo, pero diferenciándose en que el primero es joven, revolucionario, anárquico, desordenado, fresco, y muy dinámico; el suprematismo respondía a una ordenación y relación de las formas mucho más ordenada y medida. Es abstracción geométrica pura. El constructivismo se puede calificar de suprematismo expresionista.

Por ello aunque está lleno de expresividad y de libertad a la hora de formar carteles, el arte cosntructivista productivista está encorsetado como luego se vería a las demandas del gobierno. Se produce una paradoja de la creencia de que el arte debe servir al pueblo y no a uno mismo. Se diluye la línea entre la producción industrial y masificada y el arte propio. Aquí prevalece el sentimiento de apoyo al nuevo régimen de igualdad (el soviético) pero coartado por las necesidades del partido.

En Klucis lo podemos observar en la utilización de los colores que guían y dividen zonas. Los colores corresponden a los típcamente soviéticos. Barras y elementos horizontales también son utilizados para ordenar la composición. Klucis también suele opta por un cartel fácil de entender y para ello bien compuesto de forma que sea facilmente recibido por la masa o el pueblo. Utiliza el fotomontaje cambiando la proporción y dando un aspecto más faraónico, épico o monumental y las todo ello guiado por las guías o barras del cartel que dan un recorrido circular por toda la imagen, alrededor de los dos líderes y sobre la industrialización de la época .

En este caso Lenin es el protagonista de la llegada de la mecanización e industrialización que liberaría al pueblo ruso de las burocracia zarista y que permitiría que el pueblo fuera gobernado el mismo mediante la duma e indirectamente por el secretario del partido. Para ésto último, sería Stalin que permanece de la misma forma en segundo plano. Stalin no dirije la mirada al espectador si no más indirectamente a su alrededor. Está más atento y más relacionado con la insutrialización.

Al final el cartel cumple su función propagandística con los guiños que se han comentado, pero que viéndolo en una perspectiva nos hace ver cierta obsesión y reducción de miras.

gótica geométrica

tipografía creada basándose en las formas geométricas del cuadrado y el círculo.
ivan gotica geométrica.

comentario:

La tipografía es de estilo gótico probablemente porque está hecha a mano y por tanto es más dibujada aunque trata de cumplir las funciones de una tipografía. Por ello todas están basadas en un cuadrado. menos por ejemplo la i y por consiguiente la j en que se basaron en un triángulo. Estos es para aprovechar y hacer un interletraje más correcto y legible. por otro lado la mayoría de las letras se compone de arcos que facilitan la unión y lectura de las letras. estos modulos se basan en círculos aunque de ellos tomamos soo los arcos resultantes y útiles. se utilizo la cuadrícula del cuaderno y los arcos están basados en esos cuadrados también. En general la letra parece una gótica ya que los módulos recuerdan a los trazos de las plumas usadas en el medievo. La utilización de esta forma en los módulos (claramente visibles en la a o en la s) cumplen la función de hacer la letra lo más apta posible apra leerlo y que sea visible de lejos. También por ello tienen esas terminales.
Calificaría algunos errores como la poca concordancia que tienen la e y la o. aunque estan basadas en dichas formas geométricas no concuerdan demasiado aspectualmente ni están construidas por módulos ni tienen terminales ni uniones. Expresan una mayor modernidad. los constrastes de los módulos son tal vez demasiado grandes y por ello no será muy apta para leer de lejos en algunas letras.
En resumen el ejercicio ha sido divertido pero aun controlando un poco sobre tipografía hay muchos aspectos que no había remarcado al hacer una tipografía. Ha sido bastante didactico.

portada de revista

Parámetros técnicos:
B/N o Color: color.
Formato: 29*21.
Función: Publicitar.

Forma de la imagen: El formato y la composición tienen forma cuadrada. Cubriendo la parte superior podemos ver la marca, que en este caso es "Das Mode". Luego, en subtitulares y a los lados, los artículos que ésta vende. La tipografía es Eccentric. Debajo y en el centro encontramos a las figuras de la imagen, una dama y un caballero con ropa elegante.

Color: Los colores son planos y con una gama de negros grises, castaños y los tipos, son de color dorado.

La luz: Está dirigida desde la parte izquierda de la imagen. La utilización de colores más oscuros recrea éste efecto.

Tipografía: Es una Eccentric y se usó para recrear la mezcolanza alemana de los palo seco (ésta tiene serifas) con diseños un tanto orgánicos y curvilíneos.

Proporción: Los dos tamaños de tipografía y sujetos son proporcionales entre sí.

Perspectiva: se crea cierta profundidad con las sombras pero al no existir fondo queda bastante reducida.

Ritmo: la tipografía marca cierto ritmo al usarse varios grupos o frases de forma seguida y regular aunque se acaba a la mitad de la página al aparecer la figura y acabarse la tipografía. Es un ritmo progresivo de mayor a menor empezando de la parte superior.

Distribución de pesos: la composición es central, y los pesos están repartidos según este eje. El mayor peso por volumen lo tienen las figuras y luego la marca de arriba "Das Mode" acompañada de los demás titulares.

Recorrido visual: comienza con la figuras. La vista guía luego a la marca que es el segundo elemento de mayor peso y tamaño.Para luego recorrer los otros textos pasando de nuevo por la figura.

Descripción objetiva:
La imagen se compone de dos figuras de dama y caballero vestidos de forma elegante, y siguiendo la moda de la época sobre todo en el caso de la señorita. Rodeados de texto y bajo la marca de Das Mode. Es una imagen publicitaria. Todo se compone respecto a un eje central y la composición es cuadrada. La imagen tiene cierta dinamicidad al, los protagonistas, mirar hacia un lado y dirigirse hacia el otro. El recorrido de la imagen, al ser en zig zag, de un lado a otro, también la hace un poco más dinámica aunque sin grandes movimientos. Los colores son planos, la forma utilizada en la época, aunque tratan de destacar sobe el fondo. Utilizan gamas de negros castaños grises y dorados. La tipografía mezcla tipos rectos y claros con cierto diseño curvilíneo. Se busca que haya cierta proporción entre los elementos para que todo conforme una unidad. Al ser una composición de solo figura y fondo la perspectiva solo queda delimitada en cierto grado por las sombras de los modelos. Se produce cierto ritmo en la progresión de textos empezando por el mayor de "Das Mode" para luego ir bajando en los más pequeños.

Descripción subjetiva:
La imagen está inspirada en los carteles anunciantes de Hohlwein en los que se valía de pocos elementos para decir exactamente lo que quería anunciar. También se basaban en la ornamentación más recta aunque en Alemania influenciada por el art nouveau francés a veces utilizaba ciertos elementos curvilíneos pero siempre pensando en formas más rectilíneas y más esenciales. El uso de estas líneas de látigo y diseños curvilíneos es algo que da mucha elegancia y estilización.
La imagen busca cumplir la función publicitaria mostrando las cualidades de la marca y mostrándola según los valores que más le interesa. Muestra valores de lujo, elegancia y distinción. Los colores utilizados son bastante elegantes como el negro y el dorado buscando ese lujo. Los colores son elegantes y lujosos y bastante encendidos, y contrastados contra el fondo ya que se busca la atención del espectador y la publicidad.
La proporción entre la marca y las figuras es bastante correcta. Se busco que se complementaran y que lucieran cada una en su contexto. Tratan de que por tanto a pesar de ser bastante importante su volumen para que puedan ser vistas desde lejos, creen cierta unidad.
La mirada de los espectadores crea cierta ambigüedad y distinción al detenerse a mirar a un lado pero seguir caminando al otro. Éste gesto crea carácter y distinción al unos señores tan elegantemente vestidos vayan exactamente donde quieren.
la tipografía busca reunir la idea alemana de tipos claros y finos (ellos utilizaban los sans serif eso sí) pero junto esta idea de diseños claros y con la ornamentación justa y necesaria junto con diseños con cierta curvilineidad y organicidad. Esta elegante sinuosidad estiliza armoniza y distingue el conjunto. Es de caja alta para dar más presencia e importancia a la marca.

Comentario diseñador alemán

El primer paso del Art Noveau curvilíneo a su fase rectilínea la dan un grupo de artistas escoceses conocidos como la “Escuela de Glasgow”.
Solamente un grupo de artistas austriacos reconoce la evolución planteada por sus
compañeros de Glasgow.

Los vieneses preferían al arte floral, los carteles limpios y legibles de tipo sans-serif que fluctuaban de gruesas losas planas a fluidas formas caligráficas. Durante un breve periodo después de 1900 Viena llegó a ser el centro principal de las innovaciones creativas posteriores. Los artistas vieneses se inclinaron hacia figuras planas con mayor simplicidad. Esta metamorfosis culminó con un énfasis en los modelos geométricos y construcción modular del diseño.

El industrial Fritz Wandorfer en 1903 financió la Wiener Werkstatte (talleres de Viena) que fue consecuencia del Sezessionstil, en continuidad espiritual con los talleres del arts and crafts. Los talleres en principio producían obras de Hoffmann y Moser pero luego florecieron y trabajaron otros colaboradores, ampliándose con varios edificios.

En 1907 Peter Beherens funda la Deutsche Werkbund donde comparte ideas con Hermann Muthesius. Ese mismo año es nombrado consejero artístico de la AEG (Allegmeinen Elektrizitts Gesellschaft) y se muda a Berlín. Es en la AEG donde realiza el trabajo por el que es más reconocido. Realizó trabajos de arquitectura para las fábricas y las viviendas de los trabajadores, muebles, productos industriales e incluso la papelería, carteles, anuncios y escaparates; formó así una nueva idea, la de la “identidad corporativa”. Esta nueva idea involucraba un nuevo tipo de empleador (el industrial “iluminado” involucrado con cada aspecto de diseño de su industria) y de diseñador (el “consultor” de diseño). Behrens proclamaba con esto la unión del arte y la industria.

Aspectos denotativos:
El diseño de este cartel publicitario es del alemán Peter Behrens de 1907 o posterior mientras trabajaba para la empresa AEG.
El cartel está impreso a dos tintas. El negro y el azul en colores planos y la figura del ventilador está contorneada con negro. Lo demás no, ya que el primer elemento es la tipografía. El segundo elemento el fondo tampoco necesita ningún contorno. La búsqueda de lo esencial en esta época prescinde de poner ese elemento al fondo que ya se diferencia como tal.
La composición es asimétrica y El mayor peso se mantiene a la derecha de la imagen. Aunque la hélice está centrada el cuerpo del ventilador se mantiene más a la derecha. La tipografía en cambio se mantiene centrada ocupando la mayor parte del espacio superior. Es lo que tiene más importancia. El ventilador en su espacio también ocupa casi el máximo espacio posible.


Aspectos connotativos:
El uso de dos tintas, colores planos, fondo y figura y por tanto la simplicidad de la composición hacen un cartel muy directo como se comenzó a hacer en esa época, al igual que comenzara en 1905 Lucian Bernhard con su cartel de Priester. El diseño sigue la línea de las escuelas de Glasgow, Viena ,arts and crafts etc. y se empieza a dilucidar este estilo menos estético y mucho menos superfluo.
La imagen es un poco fría, coincidiendo con su modelo industrial. Se prioriza la tipografía para darle importancia a la empresa anunciante. Es el elemento que domina sobre los demás. Tal vez el ventilador pueda tener casi tanta importancia pero el lo que está sobre todos los elementos es el nombre de la empresa.
El contorno dibujado con negro es una influencia japonesa del art nouveau y la gran mayoría de movimientos de la época. La tipografía no sufre contorneo ya que es muy difícil modificarla con algún tipo de contorno por cuestiones de imagen corporativa.
Las masa de color hechas de forma plana con dos colores distintos mas su fondo blanco son otra característica utilizada en este tiempo. Crea un contraste muy fuerte lo cual hace que el espectador se fije con más facilidad en el cartel.
El tema del ventilador el cual resalta del fondo tal y como es el diseño sin ningún tipo de distracción. La verdad que así no nos hacemos mucha idea del tamaño del objeto. Trata de aprovechar y ocupar el mayor espacio posible para que se vea con mayor facilidad y por el mayor numero de espectadores posibles. Al igual que lo hace la tipografía.
La imagen resultante es muy estática ya que cumple su función que solamente la de mostrar el producto y la empresa.

Este tipo de cartel tuvo mucha repercusión en la época, es muy enunciativo de la misma y marcó un referente en la nuestra.

analisis de the wake de eugene smith

Título: The wake, spanish village.
Autor: Eugene Smith.
Nacionalidad: estadounidense.
Año: 1951.
Procedencia: intranet.esinavarra.net Realizado para la revista Life.
Genero: fotografía artística.
Género 2: fotorreportaje
Genero 3: fotografía periodística.

B/N/color: B/N
Soporte: La vemos en pantalla. Pero el original está en papel fotográfico.

W. Eugene Smith nace el 30 de septiembre de 1.918 en Wichita (Kansas) con una trayectoria profesional labrada en diversos fotoreportajes desde 1.934. En 1.937 se traslada a Nueva York y entra a trabajar en la revista Newsweek. Durante la II Guerra Mundial es nombrado corresponsal de guerra en la revista Flying (cubre la batalla de Saipan). Anteriormente realiza fotografías destinadas a explicar la opinión pública americana la entrada en guerra de los Estados Unidos, en la revista Parade. En 1.955 se incorpora a la agencia Magnum, iniciando el proyecto fotográfico sobre la ciudad de Pittsburgh (1.955 / 1.956). Al final de su carrera realizó el mundialmente conocido reportaje sobre la contaminación de la ciudad de Minamata, en Japón, “Death Flow for a Pipe” entre los años 1.971 y 1.975. Muere el 15 de octubre de 1.978 a causa de una hemorragia cerebral.
Life tenían la intención de publicar un reportaje sobre los problemas de aprovisionamiento de la España franquista. Eugene Smith entró por Hendaya e l5 de mayo de 1950 acompañado de su ayudante y fotográfo Ted Castle y una traductora francesa Nina Peinado. El fotoreportaje debía reflejar el régimen. Pero la intencionalidad de Smith era política, como buena parte de sus reportajes : “voy a intentar entrar en un pueblo español a fin de describir la pobreza y el miedo engendrado por el régimen franquista. Espero realizar el mejor reportaje de mi carrera” escribió a su madre. El título del reportaje es “Spanish Village: It Lives in Ancient Poverty and Faith” las cuales 1.575 fotografías corresponden al pueblo de Deleitosa en la provincia de Cáceres. Se publicaron 17. Fue objeto de censura por la dictadura franquista.
Existen dos versiones de la elección del pueblo la primera pudo ser su traducción como Delightful: lugar delicioso. Irónicamente viene de lugar del delito. Otra versión considera que un artículo de Gomez de la Serna en el ABC “meditación de un pueblo sin nombre” inspiró a Smith a buscar el pueblo en la región de extremadura.

Fuente:
Jesus de Miguel y Carmelo Pinto (2002)Sociologia Visual CIS (Centro de Investigaciones Sociologicas)

Punto: hay varios puntos de interés que se corresponden con las caras de las personas. Por otro lado se forman puntos en la imagen debido al grano.
Línea: dos líneas visuales, la primera la forma el cuerpo del difunto y la segunda la esquina de la habitación. Compositivamente los rostros forman dos líneas también: una horizontal y la otra de derecha a izquierda en diagonal. También abundan las líneas verticales por la forma de los torsos. Por último estarían las curvas que forman la ropa y tocados capuchas de las señoras.
Plano: 4 planos.
Forma: se forma un triángulo en la composición.
Textura: podemos ver las texturas bastas y fuertes de la ropa y lisa y descascarillada la de la pared. También el grano da a todo una peculiar textura.
Nitidez de la imagen: es completamente nítida aunque el centro de la imagen es completamente nítido gracias a la luz dura también. Todos los planos están enfocados menos un pequeño reflejo en la frente del difunto.
Iluminación: La iluminación es un tanto dura produciendo un fuerte contraste. Aunque las texturas y gama de grises se diferencia bastante bien. Puede provenir de una sola fuente (una vela por ejemplo o una bombilla) situada en la cabecera del fallecido.

Perspectiva: un poco picado. Ya que estamos sobre la linea de los ojos de los protagonistas.
Ritmo: Se produce por la sucesión de rostros.
Tensión: la composición triangular, las líneas diagonales y el tema producen bastante tensión.
Distribución de pesos: respecto elementos hay mucho más peso en el lado derecho. Aunque el lado izquierdo tiene más importancia al estar iluminado.
Ley de tercios: hay ocupados parcialmente 3 puntos de la imagen.
Estaticidad: en principio es bastante estática por la posición del fallecido y la de sus acompañantes. Por otro lado la composición triangular da cierto dinamismo a la escena.
Recorrido visual: de izquierda a derecha. Se produce en los puntos de interés empezando en la cabeza del fallecido. Luego viaja por las figuras de la primera fila, pasando luego a la segunda terminando en la esquina superior izquierda y viajando luego a las manos del difunto a través de la mirada de la persona de la esquina antes nombrada y pasando otra vez por las caras de las señoras hasta las manos.
Pose: no es forzada ninguna considerando que es la posición adquirida en un velatorio. Como mínimo el fotógrafo ha cuidado que no pareciese nada forzado.
Abierto o cerrado: se trata de una habitación cerrada por lo que se puede ver.
Interior o exterior: se trata de un espacio interior también.
Concreto o abstracto: el motivo es concreto. No abstracto.
Profundo o plano: hay partes planas como la pared y por otro lado esta perspectiva crea una ligera profundidad junto con el juego de luz y sombra.
Puesta en escena: tampoco espero que el fotógrafo hay tenido mucha puesta en escena. Más bien por parte de la familia en montar el velatorio.
Instantaneidad: total.
Duración:
Atemporalidad: se podría dar en el presente aunque cada vez más difícil.
Tiempo Simbólico ¿
Tiempo Subjetivo. ?
Secuencialidad: pertenece a una serie de un reportaje.

Punto de vista físico: respecto a la mayoría de las figuras tiene un cierto picado. La cámara puede estar girada ya que la esquina no es vertical si no que tiene cierta inclinación.
Actitud de los personajes: todos tienen una actitud natural y acorde con la situación. La mujer de abajo a la derecha muestra una actitud de rabia y/o enfado y se aparta un poco de la imagen. Su actitud contrasta un poco con la serenidad de las demás mujeres. Su sentimiento queda bastante más patente por el pañuelo que sostiene. La mujer situada a su lado tiene un rostro joven (es la más joven de todas) y la iluminación redondea y remarca esta cualidad. Su mirada es una de las partes principales de la foto ya que está bien alumbrada y remarca su belleza. La mujer a su izquierda escucha a la mujer que le habla desde atrás, al igual que la mujer de la segunda fila en el centro, aunque esta mantiene contacto con la joven que está delante suyo. La mujer que habla también sostiene un pañuelo aunque sus actitudes más distendida. Esto puede ser porque llevan mucho tiempo de velatorio, lo cual podría ser ya que los ojos del cadáver están bastante hundidos también. Lo cual da ciertos síntomas de que el ambiente está un poco más relajado. Por último tenemos a la señora que está de pie que podría ser que esté ladeada hacia fuera de la escena y la que menos iluminada está. Su brazo derecho queda por detrás de la señora detrás de la joven lo cual da contacto con los que velan, pero parece que ella se está retirando. Por último el fallecido está en una posición que no denota rigidez si no una gran tranquilidad y calma.
Cualificadotes: la figura principal es el hombre de la escena seguido de la joven del centro. Esto es porque se forman más o menos dos grupos el primero el del fallecido y luego el de sus veladores. Los que tienen mayor impacto visual son el hombre y la joven primero por estar más iluminados haciendo que el recorrido visual vaya por ellos en primer lugar y luego por las demás figuras. También estas dos figuras ocupan lugares destacados compositivamente el centro de la escena y el vértice principal de una composición triangular.
Transparencia/ Sutura/ Verosimilitud: la composición cuidada y bastante acertada ,la iluminación correcta y/o bien dirigida ya que enuncia a algunos protagonistas y la actitud de la primera señora de abajo a la derecha pueden hacer que sea posado y puesto en escena pero ocultando bien estos detalles, por tanto podría tener poca verosimilitud.
Marcas textuales: ¿
Miradas de los personajes: ninguna mirada se dirige hacia la cámara, la presencia del fotografo está por tanto ocultada. Se muestra una situación, una escena, de una forma enunciativa.
Enunciación. Nos trata de transmitir la solemnidad y dureza ese momento.

Analisis objetivo:
Eugene Smith nos muestra una instantánea del velatorio de Juan Larra en el pueblo de Deleitosa, Cáceres.. En primer plano se encuentra el cuerpo del fallecido y la primera acompañante con el ceño fruncido luego estaría el segundo plano con la acompañante más joven y el rostro del fallecido que se encuentran iluminados de forma más acusada. El tercer plano se conforma por la acompañante más anciana de la primera fila. El 4 plano lo conformarían las últimas acompañantes detrás de la primera fila.
La imagen tiene varios puntos de interés ,en principio conformados por los rostros de los retratados. Hay dos rostros más iluminados que son los del difunto y los de la joven del centro. La iluminación es dura sobe todo en estos dos puntos que hemos dicho. La en la pared también se distinguen zonas de sombra y penumbra donde la sombra se difumina. Aunque también puede ser un haz de luz ya que coincide con una sombra más fuerte que se ve en el torso de las acompañantes de la primera fila. Se nota en la zona más baja de su ropa una sombra más fuerte. También podemos ver que la sombra producida por el rostro del cadáver está ladeada y también la sombra que produce la acompañante central de la segunda fila. Es difícil de decir si la sombra producida en la pared es un haz ya que coincide con la sombra de la ropa de las acompañantes de primera fila. la proyección de las sombras coincide con un punto común señalado por la esquina superior izquierda.
Aunque el contraste es fuerte las texturas están bien definidas y reflejadas y por ello se puede ver los estados de los materiales de vestimentas paredes pieles…
La composición es triangular con un vértice situado en el rostro del cadáver. Luego dos líneas de rostros diagonales forman la estructura triangular que termina en el lado derecho de a fotografía.
La fotografía esta tomada con cierto picado ya que estamos un poco sobre la línea de los ojos de los protagonistas más cercanos. Además la cámara está girada hacia la izquierda. Lo cual confunde un poco la perspectiva.
El peso de la fotografía está inclinado hacia la derecha donde están las mayores masas. Por otro lado el blanco de los rostros de los dos protagonistas (cadáver y joven) elevan el peso hacia ese lado). Se aprecia una transición de rostros iluminados a poco iluminados. Por ello el peso queda equilibrado.
La composición no cubre totalmente los puntos de interés de la ley de tercios. Quedan cubiertos solo uno de forma total y los otros 3 de forma parcial.
La composición es bastante estática por la actitud de los fotografiados aunque el ritmo de los rostros y las lineas diagonales de la composición dan dinamismo al a escena.
El recorrido cisual comienza en el rostro del difunto que es el más iluminado para luego ir al de la joven igual de iluminado. Luego se desplaza por la primera fila con una ida y venida para luego ir a la segunda fila hacia la esquina supeior derecha. La iluminación guia bastante este recorrido. Se puede tambien recorrer la segunda fila para bajar hasta las manos del difunto. El contraste existente hace que pasemos por los rostros primero y luego nos fijemos en los detalles como ropas manos y texturas.
El lugar corresponde a una habitación cerrada como podemos ver claramente por la luz que hay y por las paredes.
El motivo es totalmente concreto, retrata las costumbres de España y el velatorio en ese año sin ningún tipo de abstracción. Es un reportaje.
Podemos esperar que el fotógrafo no tuvo una gran puesta en escena. Como mucho la sospecha de las luces que se ven un tanto artificiales ya que se confunden si hay uno o dos puntos de luz y si están dirigidos y el hecho de haber girado la cámara hacia la izquierda. La pose es bastante acorde con la de un velatorio y no parece forzada. Además de que estaba contratado por la revista Life para hacer el reportaje. Las expresiones son bastante solemnes, tal vez algo distendidas ya que los velatorios duran horas.

Analisis subjetivo.

Eugene smith consigue una obra muy pictórica y bien tratada de las costumbres españolas de la época del franquismo y de la vida que llevaban. Una imagen muy impactante y representativa de la época y tratada de forma muy cuidada. El uso del contraste es realmente efectivo resaltando el ritmo de los rostros las texturas de la pieles curtidas, lo enjuto de las caras, la pared que va desprendiendo la pintura, resaltando el luto y acentuando la expresividad de los rostros y la dureza un momento como ese. La imagen causa cierta intranquilidad por la indefensión que se puede suponer de las presentes que era la que se respiraba día a día en España por la falta de alimentos y medios para mejorar la situación por la política de Franco y el posterior bloqueo internacional.

Creo que respecto a la preparación de la escena por varios puntos de luz no es plausible ya que las sombras de la primera fila pertenecen al mismo punto de luz situado en sobre la esquina superior izquierda.

La joven del centro es Josefa Larra la cual después de la foto recibió una propuesta de matrimonio por aprte de un estadounidense y la promesa de que podría hacerla actriz y cumplir el sueño americano, la familia tuvo que huir del pueblo por las presiones y el temor reinante a ser acusados como ayudantes de los rojos.

La fotografía siendo muy analizada ha tenido mucha repercusión a lo largo de mucho tiempo que es lo que hace a una fotografía “buena”.

Comentario modernista americano

Es considerado junto con Will Bradley y Louis Rhead, los pioneros del art nouveau en Estados unidos. Muy influyente ilustrador y editor. Sus carteles estaban en un gran número de veces conectados a la revista Harper donde realizó la gran mayoría de las portadas. Junto con él se dijo en Publisher´s weekly que la publicidad en los últimos años se había adentrado en muchas regiones del arte. Su uso de la abstracción y simplificación era marcas estilísticas suyas que reflejaron la apreciación de los esfuerzos japoneses, franceses y británicos. También trabajó en Collier´s, Saturday evening post y otras revistas. Su trabajo era considerado de alta efectividad en la publicidad.Fue presidente de la asociación americana de ilustradores.Ha sido llamado el originador del cartel en América. En sus 34 años de carrera un tercio estuvo dedicado principalmente a la revista Harper. Después de esta etapa, su trabajo como freelancer fue visto por millones de personas en revistas y carteles. Fue también un ciudadano activo, voluntario de los derechos civiles, discutiendo en los clubes de señoras, enseñando en la liga de estudiantes de arte y sirviendo como presidente en la sociedad de ilustradores. Nacido en Brooklyn NY donde cursó sus estudios y se enroló en la Art Students League. También estudió pintura bajo el impresionista George de Forest Brush. Lideró el departamento de arte de Harper´s durante mucho tiempo. Fueron imágenes publicitarias muy efectivas que le hicieron bastante famoso.

La composición se compone simplemente de figura y fondo. Las figuras son los personajes principales (el cazador-lector y las liebres). Están compuestas de líneas simples y fluidas que contornean masa de color plano. Los colores planos principalmente fríos y contrastan con la tipografía y con el forro el cazador.
La portada tiene dos planos. El primero de las figuras y el segundo el fondo que está totalmente esquematizado tan solo mostrado por el horizonte. Las figuras aunque de distinto tamaño, al estar verticales crean cierto ritmo aunque el más claro es el de las liebres. Se crea cierta tensión al tener mucho más peso compositivo el cazador que las liebres pero al estar éste avanzando hacia el centro se compensa un poco junto con la tipografía y las liebres. La tipografía de Harper´ s october es muy llamativa y es de los primeros elementos que llaman la atención por ello también adquiere peso ese lado. Es una imagen con cierta estaticidad ya que es muy esquemática y con un ritmo marcado. Todo esto hace que recorramos la imagen de una forma bastante guiada comenzando por harper´s y el cazador con la revista para luego ir bajando por el cazador hasta las liebres.
El cazador que está leyendo el número de harper´ s con una expresión distraída y divertida de tal forma que pasa aparentemente sin advertirlo junto con unas liebres.

La imagen tiene una función publicitaria y busca vender la revista. Lo hace de forma un tanto narrativa o por medio de una escena. La técnica empleada es la desarrollada en esa época mediante contornos del dibujo y masa de color planas. Las líneas tienen formas bastante orgánicas (no-geométricas). El color de la línea es brillante y contrastado, los demás son colores fríos y pastel. La composición es muy simple y sin fondo bastante acorde con la época.

Lo que se busca con la imagen como ya hemos dicho es principalmente publicitar la imagen pero Penfield lo hace de forma bastante espectacular por el color brillante y vibrante y que se percibe fácilmente. La composición de pocos elementos hace que el espectador no se distraiga y vea lo esencial y principalmente lo que quiere anunciar el emisor. Por último recurre al recurso de la narrativa mostrando una escena medio humorística con lo que consigue impactar al espectador, agradarle y mostrar un poco la revista. Ésto también lo hace con la figura del cazador es de clase media alta (en la época era un deporte de esas clases) y viste de forma arreglada.

Ornamentacion Mosaico freak 2

Hola amigos tontunos. Bienvenidos un dia mas a asihablojack. Hoy, dia de frío, carpa y tontadas como pianos, me preocupo por los demás he creado otra chorradica de esas que tanto molan. Démosle un toque más freak y más humano a este día con este vegetal. A parte de gustarme la galleta y la canela me gustan los mosaicos y el supermario por eso me engatuso haciendo chorradas y jugando a la consola. Espero que esta idiotez os guste tanto como a mi porque me a costado un lo suyo.



Ahi tenéis majos. Agrandad la imagen y veréis la peor pantalla del mario. BUENAS NOCHES FRIEDERICH. Que quiere decir freaks en aleman. ala paso de vosotros, crápulas.

comentario de un modernista francés.

Hector Guimard.
Este arquitecto parisino creó la señalética de las estaciones de metro de París. Ésta es una de las expresiones más importantes de Francia y del modernismo en general.
Guimard se vió influenciado por otro arquitectos como Horta (otro arquitecto belga pionero del modernismo) y Eugène Emmanuelle Viollet-le-Duc.


Éste último un escritor arqueólogo y principalmente conocido por su labor como restaurador. Sus teorías que defiende son lo más importante e influyeron bastante en la época. Desde pequeño sintió gran interés por la arquitectura de la Edad Media y aunque hijo de una familia adinerada y discipulo de Aquiles Leclère, rechaza ingresar en la escuela de Bellas Artes y se forma con un bloc de notas y viajando pro Francia e Italia estudiando el arte y los monumentos más sobersalientes. su erudicción le valió para restaurar numerosas obras. Su teoría de al restauración tendría muchas consecuencias. Defiende que el restaurador debe ponerse en la piel del arquitecto-creador primitivo, entender la obra y aplicarlo a la reconstrucción para devolver al edificio su forma original o de cómo piensa que debió haber sido. Su obra se caracteriza por la supremacía del estilo gótico considerado por él como superior por su estética y técnica. su teoría busca la unidad destilo reslatando aspectos y subestimando elementos secundarios añadidos en otras épocas. aveces porvocaba despariciones de elementos y otras invenciones de otros. fue muy discutido y criticado por esto. a pesar de ello es indiscutible su amplio conocimeinto del arte medieval y la arquitectura donde defendió los nuevos valores del hierro, acero y cristal por ejemplo.
Viollet-le-Duc sienta muchas bases estructurales del modernismo, aunque la influencia de Horta en Guinard también es notable. Da un nuevo tratamiento al uso del hierro y del cristal, creando formas vegetales tanto en elementos arquitectónicos (columnas), como en el mobiliario (tulipas de lámparas y otros).


Hector Guinard construyó esta señalética de gran impacto estético y después icono modernista en los años 1899 y 1905. la estructura hecha de hierro y cristal ilumina el paso a la estación de metro con formas orgánicas, abstracciones de motivos vegetales. Aquí Guimart estuvoinfluenciado por las líneas de látigo utilizadas por Horta que son las que se encuentran en toda la ornamentación, la cual tiene por ello mucho dinamismo, elegancia y armoní. Está pintado en un verde oscuro y aapagado, contrastando con la ciudad y dando un toque diferente y artístico a esta. Dentro de una ciudad se ve extraño pero al estar al aire libre en cierta forma la obra está justificada. la estructura es simétrica y sigue un ritmo creado por la repetición de la ornamentación. la aprte más importante se encuentra en la entrada por ya que ahí se encuentra el lemento principal de la obra y es la señal de metropolitain hehco en una tipografía muy acorde con ese tiempo, con cuerpo grueso para que peuda ser leida de lejos aunque su interletraje puede no ayudar a todo elmundo en la legibilidad. ésta es la parte de la obra que más peso tiene por la misma razón.



personalmente el hecho de ver una ornamentación que alude de forma tan explícita a elementos vegetales y que contraste tanto estando al aire libre me parece algo que hace reflexionar. también resulta muy eficaz como expresión de los valores de la corriente artística de la época, por los materiales que se utilizaron, la forma de utilizarlos de forma elegante y armoniosa.

información obtenida en:
wikipedia.com
archiseek.com

ornamentación freak-morrisiana

Hola amigos de así habló Jack. Hoy en análisis os presentamos una ornamentación inspirada primeramente en un señor algo incoformista y betusto, al que no le gustaba cosas como las inútiles cosas del arte. este señor es William Morris. A Guillermo, para los amigos, de su imprenta, le gustaba hacer ornamentaciones para sus diseños sobre todo los impresos. Así que yo he hecho e investigado mi ornamentación pa que encaje de modo freak y elegante. Mirad que cosica la que os muestro. AHI VA AMIGOS FREAKS ATUNEROS¡





que os parece amigos del artsandcrafts? carsandcrashts? catafractas?

2 reflexión sobre el arte

Este es un redux de la anterior reflexión que hubo problemas para copiarlo desde guord (word) al blog. el blog, su funcionamiento, me tiene un poco... descolocado aunque me tiene más cabreado diría yo. Muy bien al tema ¿es el diseño arte? es un redux porque iré cambiando movidas según vaya leyendo y por si puse alguna chorrada. Bueno vamos allá. La pregunta de historia es: ¿es el diseño arte? La verdad que no puedo dar una teoría del arte y me parecería estúpido intentar dar una para que parezca acertada dada la gran cantidad de libros escritos para dar con ella. Así que optaré por dar ejemplos de "arte". El dibujo, la pintura, la música, la literatura son ejemplos cercanos de lo que yo tengo por arte. Otros también definen como arte "la expresión que proviene del espíritu". Una definición mía podría haber sido aquello que produce un placer ya sea por su estética o por la reflexión que produce. Ya que hay mucho arte que para nada es estético y sin embargo se reconoce como arte. También tenemos el ejemplo del arte moderno y/o contemporáneo que más que para un placer estético es para una reflexión interior del observador (y por su bien espero que comprendedor) el cual mediante un lenguaje propio y muy interior del artista y de sus allegados y éste por medio de su obra comunica esas reflexiones al observador o más bien a su grupo. También hay gente que reconoce cierto arte en la cocina de por ejemplo Ferrá Adriá y yo personalmente considero arte la cocina de mi madre e incluso en la ceremonia del té también se compara como arte, como acercamiento a le perfección, en su ejecución deviniendo por ello arte. Incluso los graffitis de la calle son considerados arte urbano, el baile, el flamenco ehj puro arrte maehtro, el break dance, la salsa...etc. Con este acercamiento englobo (que no defino porque no creo que en una frase defina lo que otros intentaron en libros enteros) el arte como aquello que produce placer y que necesita un proceso de expresión. Creo que el arte moderno contemporáneo abstracto y demás de ese palo, lo único que entiendo es que buscan es una reflexión del entendedor y que hacer esta reflexión o llegar a una conclusión causa placer, o según mi experiencia cuando me explican una obra y entiendo su significado siento satisfacción y placer. Al igual que cualquiera que resuelve un enigma o una adivinanza creo yo. Volviendo sobre si el arte es diseño o no. yo al principio pensaba que no. Ya que un diseñador es quien te señalizará bien un aeropuerto para que no te pierdas y los puedas ver e informarte fácil y efectivamente. Un artista no haría eso. Si lo hiciera no estaría expresando ninguno de sus sentimientos en las señales. Un diseñador que haga el cartel de un concierto necesita someterse a unas reglas de comunicación como que Mastodon e Inflames sean los cabezas de cartel,(regla numero 1 del diseño xD) y por ello sus nombres tendrán que aparecer los más grandes de entre todos los grupos porque si no la gente no se percatará de quien es el cabeza o de quien tocará o quien interesa ver. Un artista tiene la libertad de comunicar y reflexionar de la forma que le parezca. Un diseñador ha de comunicar de forma efectiva. Siempre cabe que el diseñador provoque una reflexión o un placer estético por ejemplo. Un diseñador en principio no es un artista pero puede serlo. Pero después de comunicar de forma efectiva ya que si no, no será un buen diseño. Tal vez arte. Por ello creo que el arte es una expresión de creatividad y de libertad hechas para provocar una sensación placentera. La cocina de mi madre, el graffiti, el arte urbano... son expresiones de uno mismo. Estas expresiones buscan diferenciarse y provocar una sensación placentera. El arte abarca varias cosas en mayor o menor medida. Es un concepto abstracto que difícilmente se le pueden poner fronteras. Como expresión de creatividad o inspiración es una expresión de libertad de haber traspasado fronteras de alguna forma. El arte es satisfacción también. Creo que es una sensación de satisfacción, de inspiración, de creatividad y de libertad. Por tanto para mí no es que el diseño sea o no sea arte si no que cualquiera cosa, podría ser arte. Ésta es mi humilde reflexión.

interpretaciones formales de la imagen

Interpretaciones formales de la imagen:

Figurativa- esquemática.

Representa una realidad mediante figuras fundamentales.

Imágenes de laptp.org.

Figurativa geométrica:

se representa en la imagen mediante figuras geométricas.













Figurativa realista:

Las imágenes figurativas realistas son las que presentan de forma detallada la forma externa de los motivos retratados, tratando de reproducir sus rasgos, proporciones, colores y texturas.

Imagen de: drawingsofleonardo.org

Figurativa expresionista:
Un realce o distorsión de la realidad que busca enunciar adecuadamente los valores que se pretende situar en evidencia.

Pintura de Ernst Ludwing Kirchner: Artilleros.

imagen de: allshouse-associates.com









Figurativa imaginativa:
Representaciones imposibles que quieren dar la impresión de ser realistas.

Imagen de artdegitaldesign.com.









Imágenes no figurativas:

No figurativas informal:

No figurativa geométrica:

Esta es una imagen no figurativa ya que un fractal representa una ecuación matemática que está basada en términos y elementos inventados por el hombre.

Imagen de:

flowtv.org y/o fractal.art.pl

No figurativa esquemática:

Pintura de DE kooning. Título: Woman.
Imagen de : theartwolf.com.

signo simbolo y funciones de la imagen

Jueves 9 octubre de 2008.

Una imagen es una representación gráfica en 2D. Las imágenes se crean para representar, expresar, transmitir, etc. …

Un signo es cualquier cosa que representa a un objeto al referirse a una cualidad o atributo de ese objeto. El signo representa por si mismo. Humo es signo de fuego.

Signo (R.A.E.) objeto, fenómeno o acción material que natural o convencionalmente representa o sustituye a oto objeto, fenómeno o acción.

El símbolo no posee significado en sí si no que se le es otorgado. Representa una convención social para ese significado. Esta aceptado que hace referencia a algo. Es creado por una colectividad y puede no ser universal.

Jueves 16 octubre de 2008.

Las imágenes tienen distinta finalidad o función dependiendo de su creador y/o cliente.

FUNCIONES DE LA IMAGEN:

Función expresiva: Da a conocer una serie de

sentimientos, por ejemplo una foto o una obra de arte.

Función simbólica:

Es la función de la imagen en el que el cual el elemento representado sirve para evocar otro concepto aceptado por una colectividad.

Función informativa:

Pretende enunciar y dar a conocer un conocimiento. Puede ser directa o indirecta.

Función comercial: es la función en la que se pretende sugestionar al receptor para adquirir bienes y/o servicios.

Función crítica:

La imagen trata de crear una reflexión por parte del receptor sobre un elemento o situación en la que se discrepa.

Función propagandística:

Es la función de la imagen que trata de ensalzar las cualidades de un producto o persona.

Como veo que me está desviando las fotos explico solo que la función informativa se aplica en el mapa. La crítica en el la imagen de la Gasolina y la propagandística en la de Bush.